No More… est un poème, une élégie en quelques sortes qui se déploie dans l’espace urbain, basée sur la répétition. Cette répétition et le choix des mots qui suivent, paraissent souvent absurdes, parfois inconfortables, et malgré l’apparence de slogan inachevé chacune des phrases n’a rien à vendre ni à revendiquer, ensemble elles nous interrogent simplement sur notre environnement et notre mémoire collective ou personnelle.

Damir Radović est né à Sarajevo en 1976, il fut obligé de migrer en France à l’âge de 17 ans pendant les guerres de Yougoslavie des années 90, il vit désormais en partie en France.

damirradovic.com

Partenaires : Biennale d’Art Contemporain de Lyon, Champagne Façade, Cabinet Berne, Fertoret-Coppier

Adrien Vescovi (1981) est un artiste français, actuellement installé à Marseille et Les Gets, Haute Savoie. Il développe depuis quelques années une pratique en perpétuelle transformation, selon une cadence à révolution douce, emprunte des conseils Du bon usage de la lenteur*. Ses occupations et gestes croisent les champs de la peinture et du travail textile artisanal. Ses toiles abstraites peuvent être lues comme des allégories du paysage. Composées et assemblées de tissus souvent chinés, elles infusent et se teintent de colorants organiques ou chimiques que lui donnent les éléments, la nature ou l’environnement urbain. (* : Pierre Sansot, Du bon usage de la lenteur, Payot – 2000)

adrienvescovi.tumblr.com

Partenaire : Biennale d’Art Contemporain (Lyon)

L’artiste Frédéric Houvert invite trois autres peintres les réunissant autour de la couleur jaune, qui donne ainsi à l’exposition son titre, Les Tournesols. Le jaune se décline ici en trois nuances qu’il a choisi pour chacun d’eux, le jaune Mondrian, le jaune Turner, et le jaune Monet, teintes nommées ainsi par le nuancier du fabricant de peinture décorative Seigneurie®. Les trois peintres, Mondrian, Monet, Turner, semblent ainsi invoqués par la couleur, au sein de l’espace d’exposition. L’aura de cette couleur ambivalente, rattachée historiquement à l’or et la lumière puis au doré factice et à la trahison, finalement remise au goût du jour avec le symbolisme, plane donc sur les œuvres de Mato, Viscogliosi, Proux et Houvert, qui sont coutumiers, dans leurs pièces respectives, du caractère spontané et sensualiste propre à la couleur.

Les Tournesols est une exposition de groupe rassemblant différentes pratiques de peinture ; on l’acceptera telle un bouquet de couleurs, de formes et d’intentions. Mais on pourra aussi la percevoir comme la mise en scène d’une collection personnelle, fantasmée par et pour Frédéric Houvert. Il souhaite nous la faire partager. Il souhaite également que l’une de ses œuvres partage un temps, un espace, une ambiance, des « regardeurs » avec celles de trois autres artistes, Daniel Mato, Laurent Proux et Fabio Viscogliosi.

frederic-houvert.com

danielmato.blogspot.fr

laurentproux.com

fabioviscogliosi.tumblr.com

Partenaires : Chromatic® et Seigneurie®

A travers ses différentes œuvres (vidéos, peintures, sculptures, poèmes, performances, livres, etc..) témoignant d’un intérêt pour les images et les récits de résistance, Pedro Barateiro aborde notamment la lecture de l’occident aujourd’hui, dans son présent néocolonial, ainsi que les relations et la circulation entre la politique et la fiction, le corps et le corps politique, l’oralité et le commentaire.

L’artiste portugais présente chez Néon quelques pièces réalisées entre 2010 et 2017. Cet ensemble s’organise dans l’espace selon quelques principes géométriques et psychologiques, s’épanouit dans une série d’actions qui semblent cristallisées et amplifiées, Dancing in the Studio (Protest), donnant en partie son titre à l‘exposition. Or symétries, spirale, colère et désir sont tout aussi invoqués dans chaque pièce de l’exposition. Chacune d’elles nous convie d’ailleurs à ces jeux de miroirs, nous laissant effleurer mise en abyme, anthropologie de nous-mêmes et phénoménologie hégélienne.

pedrobarateiro.tumblr.com

the-sad-savages.tumblr.com

gfilomenasoares.com

Never leave well enough alone – Raymond Loewy, Du mode d’existence des objets techniques – Gilbert Simondon, In praise of idleness – Bertrand Russell, Galactic Pot-Healer – Philip K.Dick, Le grand Cirque – Pierre Clostermann, Crash – J.G. Ballard, Utopies réalisables – Yona Friedman, Les Barrages de sable – Jean-Yves Jouannais.

The Straight Story – David Lynch, Duel – Steven Spielberg, Aaltra – Benoît Delépine et Gustave Kervern, Traffic – Jacques Tati, Il était une fois la vie : Lʼusine du foie – Albert Barillé.

Autobahn – Kraftwerk, Sunn O))) – Cro-Monolithic, Remixes for an Iron Age Sweet Georgia Brown & tractor, Eduard Artemiev – Warmth of Earth, Magma – De Futura.

Carmageddon – Stainless Games (1997).

valentindefaux.fr

Christian Aschman, Sebastien Capouet, Mathieu Gargam, Valerian Goalec, Adrien Vescovi, quatre artistes édités par Théophile’s Papers, présentent à Néon une série de pièces réalisés en conversation avec leur livre, publié ou à venir. Tissant une trame de liens étroits autour de ce médium autant élusif qu’hybride, les photographies et sculptures se déploient en espaces autonomes de la publication et ouvrent le début d’une méditation sur les possibilités matérielles et contemplatives du livre. Emilie Lauriola

Théophile’s Papers est une plateforme indépendante et itinérante, dédiée aux pratiques éditoriales. Elle pose ses amarres chez Néon pour environ deux ans avec About book. Ce projet – résidence a débuté en septembre 2014 et met l’accent sur le rapport de Théophile Calot, fondateur de l’entité Théophile’s Papers, à l’art et au livre, ainsi que sur sa singulière approche curatoriale. Il a régulièrement proposé quelques rendez-vous avec des acteurs du livre d’artiste : conférences, rencontres, librairies et expositions. Quelques informations complémentaires sur ce travail réalisé lors de cette collaboration est à découvrir sur le tumblr du projet ou sur le site internet de Théophile’s Papers.

* : Show title, #34 by Stefan Brüggemann

Christian Aschman, Sebastien Capouet, Mathieu Gargam, Valerian Goalec, Adrien Vescovi

Superscript2 est un studio graphique fondé à Lyon en 2006 par Pierre Delmas Bouly et Patrick Lallemand. Son activité s’exprime à travers la conception d’identités visuelles pour le secteur culturel, la mode ou l’industrie. Ancré le plus souvent dans une pratique très expressive de la typographie, l’univers de Superscript² se déploie tout autant dans l’impression que dans l’interactivité. En 2016, le duo s’est lancé dans une nouvelle production expérimentale, prenant pour point de départ un regard posé sur dix ans activité, il a conçu un programme génératif piochant dans une masse de captures à différentes étapes de conception des projets pour créer de nouvelles formes, compositions graphiques aléatoires et poétiques. Révélant un vocabulaire quasi intime, fondamentalement lié à leur méthode de travail, à ses étapes de recherches et d’expérimentations quotidiennes, la phrase conçue pour l’espace Rideaux, sur la devanture de Néon, rassemble ainsi une série de projets sortis de leur contexte initial et nous offre paradoxalement une nouvelle expérience de lecture, à la lisière de l’abstraction géométrique et de son langage universel.

super-script.com

Partenaire : ArtPrint

Sehyong Yang, artiste de nationalité coréenne a fait ses études d’art à Châlon-Sur-Saône. Elle resta ensuite dans la région pour développer sa pratique. A l’occasion de Marche et Toile Libres, sa première exposition personnelle, chez Néon, elle nous montre des œuvres où figuration devient abstraction. L’artiste se balade dans la ville de Lyon et reproduit sur toile libre, dans l’héritage tout autant de maîtres zen que de Claude Viallat et du mouvement Support-Surface, sa propre interprétation d’un détail, d’une couleur, d’un motif qu’elle a pu croiser au coin d’une rue ou sur un bâtiment. De plus l’ambiguïté abstraction/figuration est attisée par la relation entre œuvres monochromes, œuvres au motif simple et titre des toiles qui reprennent le nom de la rue où l’artiste a prélevé son sujet.

Pour 73 cours Lafayette 69006 Lyon, Sehyong Yang propose un multiple dont l’échelle n’est pas sans rappeler celle de l’écrin d’un trésor, une collection rare et précieuse. Cette édition rassemble quelques motifs et couleurs que l’artiste a rencontrés à cette adresse. Peut-être sont-ils toujours en place ? Peut-être était-ce des détails éphémères ? Ces toiles sont les témoins d’un lieu donné à un moment précis.

sehyongyang.com

« Cette modeste enveloppe contient l’intégrale des trois Sysiphe Papier. Un magazine d’invention astucieux et cohérent avec de fréquentes références à l’ordre des choses et à la façon dont le monde est curieusement agencé, un mode d’emploi du quotidien, des trames narratives ou pas et un lapereau. Vous êtes l’heureux acquéreur. »

Maeva Cunci et Dominique Gilliot

www.gilliotcunci.com

Simon Bergala expose en 2011 chez Néon ses peintures colorées, loin des canons du tableau. Ses oeuvres libérées de la toile basique se développent sur des tissus quotidiens comme bâche en plastique et vêtements. Avec l’ouvrage Peintures en relation / From no area to all others, l’artiste nous invite à visiter cette précédente exposition personnelle à Néon ainsi que celle à la galerie Marcel Duchamp de l’Ecole Municipale des Beaux-Arts de Châteauroux. Il y confronte différents points de vue et détails sur ses œuvres. Ils deviennent alors, pour le lecteur, sujet d’étude à décortiquer pour découvrir l’univers de l’artiste peuplé d’architecture et d’urbanisme idéal. Simon Bergala s’inscrit dans l’histoire de la peinture tout en remettant en cause un certain nombre de principes, il participe notamment à l’éclatement de « l’espace symbolique du tableau ».

Partenaire : Ecole Municipale des Beaux-Arts de Châteauroux

L’édition d’Olivier Morvan, L’appel, reprend l’une des œuvres de l’exposition Points Noirs, organisée à l’occasion du Projet Escapologique de l’artiste chez Néon. Cette sérigraphie représente le gros plan d’un visage d’homme barbu dont les yeux et la bouche se seraient transformés en trous réguliers et circulaires. Points Noirs reprenant et brouillant les codes de représentation des scènes de crime et podiums de one-man-show, plusieurs questions se posent : cet homme est-il une star, une victime ou un criminel ? Cette image est-elle un portrait robot ? Les trous sont-ils dût à la volonté du coupable ou signe d’un manque d’indice des enquêteurs ? Est-ce une affiche promotionnelle d’un show énigmatique ? Olivier Morvan laisse à son regardeur, la possibilité d’avoir son interprétation et de créer sa propre narration.

www.escapologique.net

Sébastien Maloberti travaille les couleurs tendant régulièrement vers le monochrome. Pourtant quand il publie, à l’occasion de son exposition Blind Lemon chez Néon une édition du même titre, il fait le choix d’utiliser des images documentaires en noir et blanc à travers diverses images notamment de musiciens, de bateau et de reproduction de pyramides. Toutes ces images sont une forme de médiation pour l’exposition qui fait directement référence au milieu du blues et aux premiers bluesmen. On vacille, avec l’édition, entre monde du blues, considéré à une époque comme une musique noire, et iconographie redneck sudistes à travers les photographies de la ville de Memphis où les deux mondes se côtoyaient. Inspiré par cet univers Sébastien Maloberti utilise à la fois abstraction et figuration pour dépeindre autant que peindre un monde paradoxal.

www.sebastienmaloberti.fr

Sehyong Yang, artiste de nationalité coréenne a fait ses études d’art à Châlon-Sur-Saône. Elle resta ensuite dans la région pour développer sa pratique. Pour Marche et Toile Libres chez Néon, sa première exposition personnelle, elle nous montre des œuvres où figuration devient abstraction. L’artiste se balade dans la ville de Lyon et reproduit sur toile libre, dans l’héritage de Claude Viallat et du mouvement Support-Surface, sa propre interprétation d’un détail, d’une couleur, d’un motif qu’elle a pu croiser au coin d’une rue ou sur un bâtiment. De plus l’ambiguïté abstraction/figuration est attisée par la relation entre œuvres monochromes, œuvres au motif simple et titre des toiles qui reprennent le nom de la rue où l’artiste a prélevé son sujet.

Pour son Very Small Deal, Sehyong Yang photographie et photocopie un détail de sa peinture 148 Rue Duguesclin. Cette « tâche » est l’un des motifs que l’artiste a rencontré à cette adresse. Peut-être est-il toujours en place ? Peut-être était-ce un détail éphémère ?

Les œuvres de Sehyong Yang, semblent faire peu de cas des divisions usuelles opposant figuration réaliste et abstraction. Tous les motifs peints, aussi «abstraits» puissent-ils paraître, ont de fait été échantillonnés dans la ville (en l’occurrence à Lyon) avant d’être restitués sur toile, tels quels, sans idéalisation. L’œuvre prend appui sur ce qui en temps normal tend à échapper à la vue, qu’il s’agisse de taches d’huile sur le bitume, des ruines d’un bâtiment en cours de destruction, d’un marquage à la peinture sur un mur ou plus généralement de détails urbains faussement insignifiants. On en vient à se demander si elle n’incarne pas à sa manière la définition du réalisme que proposait Courbet : « Le fond du réalisme, c’est la négation de l’idéal ». En effet, chaque peinture fuit les structures idéales et préfère accueillir en son sein le réel tel qu’il est. Le titre révèle l’adresse du lieu spécifique où le motif a été trouvé. Le regardeur peut donc, s’il le souhaite, se rendre sur place. Il faut toutefois noter que les motifs choisis sont soit permanents soit éphémères. Il est parfois aisé de les localiser mais en certaines occasions c’est impossible. Cela dépend du motif ( …). Nicolas Exertier, 2016.

sehyongyang.com

Quentin Maussang, artiste dans un premier temps vidéaste a élargi son vocabulaire plastique lors de son passage à Néon en se dirigeant également vers le dessin et la peinture. C’est cette pratique que l’on retrouve avec le Very Small Deal, Zoomorphisme. L’artiste a retranscrit sur un papier une idée, ainsi si le dessin peut paraître absurde et enfantin il est avant tout un moyen pour l’artiste de poser, de matérialiser une pensée. Peut-être sur un animal inventé ? Un animal qui pourrait être l’évolution de l’homme, ou sa régression ? Ce qui ne serait pas sans rappeler l’un des événements de l’artiste lors de sa résidence chez Néon Ah Ah Ah Animal en 2012.

www.chezneonr01.tumblr.com

Recherchant sur internet vidéos, sons et images, Benjamin Collet confectionne montages et collages. Image non balayée, son Very Small Deal pour Néon est un diptyque s’inspirant d’un rite romain, voulant qu’après chaque repas, les convives et hôtes laissent au sol une part de leur nourriture en offrande aux Dieux. Benjamin Collet imprime une superposition d’images glanées qui en vient à ne former qu’une lourde masse noire, impossible à absorber, entièrement, par la feuille. Il vient alors apposer une feuille blanche sur la première pour récupérer les surplus d’encre, et ainsi créer la seconde partie du diptyque, comme un buvard. Nous pouvons voir ces deux feuilles comme la représentation d’un fastueux repas romain, d’un côté, et ces restes donnés aux Dieux, de l’autre.

www.springboard-bc.tumblr.com/

E/F, cinquième événement de Théophile’s Papers chez Néon accueillait les designers Alex Balgiu et le duo Bizzarri & Rodriguez. Le premier nous a fait voyager dans une partie de sa bibliothèque, une sélection de livres d’art, de design et de poésie. Les seconds nous présentaient Spécimen, un ouvrage relatif au Thermidor, conçu en collaboration avec l’artiste Eve Chabanon et édité par Le Feu Sacré, avec le soutien du CNAP. Ensembles les trois invités nous ont aussi fait part de leurs accointances communes pour la typograhie et la poésie à travers une série de multiples mis à la disposition de chacun des visiteurs. Par ailleurs l’exposition dans la Galerie et la Boîte accueillait des « sculptures – objets » dédiés à la lecture (coussins et étagères) de l’artiste Elvire Bonduelle.

Théophile’s Papers est une plateforme indépendante et itinérante, dédiée aux pratiques éditoriales. Elle pose ses amarres chez Néon pour deux ans avec About book, un projet qui nous propose de découvrir une sélection de livres d’artistes ainsi que l’approche singulière du papier de Théophile Calot. La totalité du travail réalisé lors de cette collaboration est à découvrir sur le tumblr du projet ou sur le site internet de Théophile’s Papers.

www.bizzarri-rodriguez.com

www.t-o-m-b-o-l-o.eu/?s=balgiu

www.elvirebonduelle.com

Le Rayon Vert est une série d’événements vidéo répondant à l’invitation de Joël Savary, Directeur de la Maison de France à Sfax, il regroupa durant trois semaines des œuvres d’artistes issus de la région Auvergne-Rhône-Alpes à la Galerie Nuage, Maison de France et à l’Institut des Arts et Métiers de Sfax, en Tunisie.

Les vidéos rassemblées pour cet évènement ont cela en commun d’allier simplicité formelle et charge poétique forte, à l’instar du fameux rayon vert, phénomène optique rare et précieux. Les œuvres ont été conçues de manière indépendante, vivent dans des temporalités singulières et utilisent leurs propres langages, comme autant de mondes parallèles. Loin de forcer au dialogue, la sobriété du dispositif permet aux œuvres de se déployer dans le temps et l’espace, formant un ensemble d’éléments venant s’enrichir mutuellement.

Les Mondes Parallèles exposition et noyau de l’événement Le Rayon Vert, fut accompagné de quelques rencontres et soirées de projection avec les œuvres de Joël Bartolomeo, Romain Scrittori, Pierric Favret, Quentin Maussang, Franck Scurti, Philippe Parreno, Pierre Joseph, Badr El Hammami, Simon Feydieu, Nathalie Muchamad, Ismaïl Bahri, Le gentil garçon, Nicolas Momein, Alma Sauret & Guillaume Peruchon, Dorian Degoutte, Marion Raimbault, Jérémy Lanchon, Thibaud Bernard-Helis, Raphael Bariati, Sun Cunming, Léa Bouttier, Robin Curtil, Mathieu Perrin et Jennifer Lemoy.

Partenaires : Institut Supérieur des Arts et Métiers de Sfax – Région Auvergne-Rhône-Alpes – Institut français de Tunisie

http://chezneon.fr/pdf/pizza_noise_mafia_neon_https-www.youtube.comwatchv=sl7AB1u8aWM-1.pdf

https://www.facebook.com/events/1048859561854337/

https://www.facebook.com/events/205475433126332/

http://villemorte.fr/agenda/pizza-noise-mafia/

https://www.facebook.com/NeonForEver/photos/a.313556735349512.71188.312936242078228/997210540317458/?type=3&theater

http://chezneon.tumblr.com/post/137414716100

http://chezneon.tumblr.com/post/137415169340

http://www.chezneon.fr/wordpress/wp-content/uploads/2016/03/son-vernissage-pizza-noise-mafia-neon.mp3

http://www.chezneon.fr/wordpress/wp-content/uploads/2016/03/160216_0142reduit.mp3

«Quelque part dans le futur proche, alors que l’été arrive, un groupe d’adultes, tous parias en errance, s’installe dans une vieille piscine abandonnée, poussés par leur lutte pour survivre et leur désir de construire quelque chose dépassant leurs existences. Lors d’une de leurs expéditions aux alentours, en explorant une grotte où les premiers hommes commencèrent à faire des instruments, à représenter le monde autour d’eux et à contempler l’inconnu, le groupe découvrira un étrange objet, une sculpture irrésistible, qui les emportera dans d’autres mondes, modifiera leurs conduites jusqu’à faire muter le cours de leurs vies.» Tel est le synopsis d’Architecture d’un atome, un grand projet narratif transmédia où paysage et psychologie se mêlent étroitement. C’est un film, une série de vidéos, une bande dessinée, et de nombreuses performances – fantastiques, psychologiques et poétiques.

Juliacks, jeune artiste américaine, est en résidence chez Néon depuis 2012, qui l’accompagne dans la production et la diffusion de son film et grand projet : Architecture d’un atome. Le travail réalisé lors de cette collaboration est à découvrir sur le tumblr du projet ou sur celui de l’artiste.

Jonas Delaborde créé chez Néon, à l’occasion de son exposition Clovis Carnival Conspiracy, acte II, un espace à l’architecture particulière entre intérieur et extérieur. Entre absurdité et sévérité, il impose aux visiteurs des paradoxes au sein d’une atmosphère produite comme une retranscription intérieure. Il lie fiction et réalité en s’inspirant de l’univers de la série SF Farscape et des luttes et bagarres costumées qui ont lieu à la période du carnaval de Rio de Janeiro entre différents gangs. On retrouve cela dans différentes œuvres de l’artiste, principalement dans le film projeté. Sorte de documentaire-fiction montrant cet autre carnaval de Rio, un carnaval tout aussi coloré mais davantage guerrier en lien avec l’actualité. Le Very Small Deal de Jonas Delaborde revient sur ce mélange des genres, entre actualité, tradition, combat et science-fiction. Il superpose l’image brouillonne d’un jeu vidéo où il paraît y avoir une masse luttant et le livre SF d’Ursula Le Guin, Terremer, appartenant à l’artiste. Actuel, puisque le livre venait d’être acquis par l’artiste. Traditionnel de part, la présence de l’ouvrage qui est aujourd’hui une référence dans le domaine du roman fantastique. Guerrier par cette image de combat et le contraste fait entre livre et jeux, netteté et flou. Science-fictionnel, par le rassemblement d’œuvres intégrant un monde imaginaire passé, présent ou futur.

www.dda-ra.org/fr/oeuvres/DELABORDE_Jonas

Lors de D/F, quatrième événement de Théophile’s Papers chez Néon, est l’occasion de rencontrer Olivier Lebrun et la maison d’édition BAT représentée par Camille Pageard. Le premier exposait des objets imprimés collectés dans la ville de Détroit avec ses élèves de L’ENSBA Lyon, ainsi que son étonnante pratique de « ghost » designer graphique. Le second venait parler des publications de BAT et donner une lecture de Clairvoyant Journal de la poète Hannah Weiner, ouvrage jouant avec les caractéristiques de l’écriture typographique (roman, italique et CAPITALE) afin de produire une discussion intérieure à trois voix. Par ailleurs, Théophile’s Papers édite avec Néon une série de serres livres LUC&BLOC du designer Christo Nogues pour notamment accueillir sa collection d’ouvrages dans la Boîte.

Théophile’s Papers est une plateforme indépendante et itinérante, dédiée aux pratiques éditoriales. Elle pose ses amarres chez Néon pour deux ans avec About book, un projet qui nous propose de découvrir une sélection de livres d’artistes ainsi que l’approche singulière du papier de Théophile Calot. La totalité du travail réalisé lors de cette collaboration est à découvrir sur le tumblr du projet ou sur le site internet de Théophile’s Papers.

www.f-u-t-u-r-e.org

www.olivierlebrun.fr

www.behance.net/christonogues

Claire Barrault

Thomas Baudouin

Orianne Boutroux

Marion Cachon

Thibaut Evrard

Thomas Hanus

Laurent Peteuil

Guillaume Sbalchiero

Julie Van Kerckhoven

Projet collectif Be a superperson use your library est un écho direct à l’aventure d’Olivier Lebrun, artiste, graphiste, auteur et presque archéologue. Partit pour acheter une maison dans la ville de Détroit, le graphiste se ravise face à la réalité de la ville. Sur place, il décide de partir visiter l’endroit à vélo. Il ramasse des objets abandonnés et achète des affaires de seconde main, il collecte au fur et à mesure de nombreux objets, vêtements et ouvrages imprimés. Il va alors créer un fond documentaire pour en faire une sorte de représentation de l’ancienne ville industrielle. Lors de l’invitation de Théophile’s Papers à l’événement D/F, Olivier Lebrun et ses étudiants des Beaux-Arts de Lyon, activent ce fond lors d’une exposition mais aussi de la publication Be a superperson use your library.

Dire & faire est un projet de l’artiste Fabien Steichen. Il s’articule autour d’une série de rencontres dans divers lieux, ayant pour but de se faire confronter les idées et de construire une œuvre collective. Chaque soirée, un invité témoigne de quelles manières son quotidien relève de l’interprétation. Jouant avec la scène et la fiction, il peut s’exprimer sans être effrayé des conséquences de sa prise de parole. A la suite de cette courte intervention, les participants se concertent et prennent le temps de construire une parole collective, qui sera qualifiée de partition. A la fin de chaque séance d’écriture, la partition est mise en ligne sur le site web du projet (www.dire-et-faire.fr). L’invité, et tous ceux qui le souhaitent, peuvent l’interpréter pour créer des relations uniques dans l’espace public.

www.dire-et-faire.fr

Partenaires : Biennale d’Art Contemporain (Lyon)  – Galerie des projets (Lyon)  – Maison des Passages (Lyon)  – Nouveau Théâtre du 8^e (Lyon)

Seconde partie d’un dyptique dont la première fut jouée à Tlön, Nevers, en 2014, Clovis Carnival Conspiracy, act II trouve sa genèse à Rio de Janeiro, où l’artiste Jonas Delaborde, (né en 1981, France) passe plusieurs mois en résidence. Résultant d’un télescopage improbable entre architecture brésilienne, science fiction et Bate Bola (carnaval officieux des quartiers populaires), l’exposition nous entraine dans un scénario extra lucide, peuplé de conspirateurs. Un film d’une dizaine de minutes, Clovis Carnival Conspiracy (2015), semble fonctionner comme un foyer et irradie l’exposition de divers éléments de décor, costumes et accessoires.

jonasdelaborde.com

Partenaires : Biennale d’Art Contemporain de Lyon – Broadcast Posters (Lyon) – Tlön (Nevers)

Dominique Pétrin, artiste canadienne née en 1976 et travaillant à Montréal, présente son étonnant univers «3D – 2bits» chez Néon. Composé de papiers colorés et de multiples ornements, il se déploie dans l’espace du centre d’art tel un mandala acidulé, dans lequel se mêlent géométrie, théorie des couleurs, histoire de l’art et autres mystères.

Cette exposition s’inscrit en prologue à un ambitieux projet d’échanges artistiques entre Montréal et Lyon, initié par Marthe Carrier et Chloé Grondeau, et chapeauté par la Galerie B-312 (Montréal, CA).

dominiquepetrin.com

Partenaires : Conseil des arts et des lettres du Québec (Canada) – Galerie B312 (Montréal)  – Nuits Sonores (Lyon)

La troisième rencontre dans le cadre de About book, C/F, rassemble trois nouveaux invités : Alexis Jacob, et Catherine Guiral & Brice Domingues (L’Agence du doute). Le premier, graphiste belge, échangeait autour de plusieurs ouvrages réalisés en étroite collaboration avec Théophile’s Papers. Catherine Guiral et Brice Domingues présentaient quant à eux CRYSTAL MAZE VI – «To Love a Bitch and a Fake (état 2)», une exposition éphémère interrogeant la figure des «faux-livres» au cinéma. Dans la Boîte, Théophile met sa collection entre les mains du designer Mathieu Gabiot.

Théophile’s Papers est une plateforme indépendante et itinérante, dédiée aux pratiques éditoriales. Elle pose ses amarres chez Néon pour deux ans avec About book, un projet qui nous propose de découvrir une sélection de livres d’artistes ainsi que l’approche singulière du papier de Théophile Calot. La totalité du travail réalisé lors de cette collaboration est à découvrir sur le tumblr du projet ou sur le site internet de Théophile’s Papers.

www.alexisjacob.be

agencedudoute.org

www.mathieu-g.be

A l’invitation du MAC Lyon, accompagné par Néon et de nombreux anonymes, Juliacks présente pour la première fois son film au public.

Une grande performance, une série de projections, une exposition d’un soir et un bal tout autant composé de concerts qu’agrémenté de cocktails, la proposition de Juliacks est le reflet de son grand projet narratif, interactif et explosif : Architecture d’un Atome.

chezneonr03.tumblr.com

Partenaires : MAC Lyon (Lyon)

Ces objets (affiches, flyers, sacs et livrets) ont été réalisés pour la plupart par l’artiste Juliacks, en résidence chez Néon et à l’occasion de trois soirées de soutien organisées avec Grrrnd Zéro entre 2013 et 2014 pour son projet de film : Architecture d’un Atome. La production ayant besoin d’argent, l’idée était de préparer quelques événements comme un moyen de récolter des fonds pour l’artiste et l’aider à constituer une équipe de tournage. Ces raouts ont été par ailleurs l’occasion de présenter le travail et l’atmosphère du futur film de Juliacks, de les diffuser et les faire découvrir hors les murs de Néon. Ce fut aussi le moment de se réunir autour d’un bar, d’un « dancefloor » et de concerts des différents musiciens ayant participé à la bande originale d’Architecture d’un Atome.

Chacun de ces objets présente un mélange de dessins liés au projet et nous prépare à entrer dans l’univers mystique de Juliacks. L’édition Tableau Vivant notamment, petit livret réalisé en 2012, en est un bon avant-goût. On y retrouve à travers des dessins métaphoriques, les futurs personnages marginaux du film. L’un d’entre eux est aussi le livret – feuille de salle de l’exposition organisée au MAC Lyon en 2015.

www.chezneonr03.tumblr.com

www.juliacks.com

Anthony Jacquot-Boeykens est un artiste touche à tout. Utilisant la pratique du dessin, de la peinture, de la sculpture et de la performance, il produit des œuvres mettant en lien industrie et corps, mécanique et spiritualité à travers l’idée de « mécanisation des fluides ». Lors de son exposition chez Néon, Problème et Tarot, il s’adonne pour cela à l’abstraction géométrique et à l’action painting qu’il superpose finement, et cuisine des sculptures cristallisées. Il semble vouloir dévoiler son propre processus de création. Pour son Very Small Deal, l’artiste pose intuitivement quelques éléments de l’exposition sur la photocopieuse ; on retrouve le motif de la grille d’une de ses toiles et l’une de ses sculptures circulaires Casse-croute, démontée, qui ajoute deux cercles et un lacet. Le multiple est alors ouvert à toutes interprétations comme une carte de tarot, nous pouvons autant y voir de la pure abstraction que la figuration simplifiée par exemple d’un hibou, idée relancée par le titre même de l’édition Hibou boubou.

L’exposition d’Anthony Jacquot-Boeykens Problème et tarot présente des œuvres issues « d’une certaine idée de la mécanique des fluides » et plus particulièrement empruntes de la mythologie personnelle de l’artiste. Formellement, son travail s’articule depuis plusieurs années avec un vocabulaire d’une grande diversité où se succèdent et parfois s’entrechoquent, performances, sculptures, dessins, et peintures.

« (…) il avait trouvé de mystérieuses correspondances entre ses émotions et les mouvements de l’Océan. La divination des pensées de la matière dont l’avait doué sa science occulte, rendait ce phénomène plus éloquent pour lui que pour tout autre (…) »

L’Enfant maudit, Balzac, 1836

Partenaires : Ateliers de l’Adera

Baptiste Croze aime se pencher sur des objets pour les étudier et mieux les détourner. A la manière d’une exposition qui serait consacrée à des peuples éloignés, spatialement ou temporellement, il présente chez Néon des images de ce qui nous semblent être des sculptures tribales. En réalité il s’agit de divers objets ayant subit une érosion artificielle puis photographiés de manière à paraître de tailles similaires sur un fond pastel. La référence à l’archive muséale renforce le leurre d’un objet cultuel. Parallèlement, il élabore un Very Small Deal, recto verso et plié, sur lequel apparaissent des photographies de sculptures qui parfois se chevauchent. Au recto de l’édition on reconnaît la Vénus paléolithique de Dolni Vestonice et la statue bruxelloise représentant le défunt Everard ‘t Serclaes, ancien seigneur. Baptiste Croze met alors en relation deux statues très différentes : l’une vient d’une époque très ancienne et est rarement montrée au public de part sa fragilité, la seconde c’est vue fragilisée par la succession d’innombrables touristes et superstitieux venus toucher le bras ou le genou du défunt. Cet acte étant censé assurer à la personne de revenir à Bruxelles ou la réalisation d’un vœu. Au verso, l’artiste oppose deux surfaces l’une très lisse et sombre et l’autre claire et fissurée. Ce Very Small Deal vient appuyer avec des documents historiques l’intérêt de l’artiste pour la disparition de l’œuvre originale par dévotion au profit d’une nouvelle œuvre originale.

www.dda-ra.org/fr/oeuvres/CROZE_Baptiste

B/F, deuxième rencontre du projet About book, est l’occasion de rencontrer deux duos : Charlotte Cheetham & Pierre Vanni, ainsi que Félicia Atkinson & Bartolomé Sanson (ShelterPress) pour la sortie de leurs ouvrages respectifs, Slide Shows : une peinture en mouvement de la scène actuelle de l’édition indépendante en art et design graphique, et Improvising sculpture as delayed fictions : un livre exposition, théâtre où s’incarnent et dialoguent quelques pensées et sculptures. La rencontre se clôtura par un concert de l’artiste et musicienne Félicia Atkinson.

Théophile’s Papers est une plateforme indépendante et itinérante, dédiée aux pratiques éditoriales. Elle pose ses amarres chez Néon pour deux ans avec About book, un projet qui nous propose de découvrir une sélection de livres d’artistes ainsi que l’approche singulière du papier de Théophile Calot. La totalité du travail réalisé lors de cette collaboration est à découvrir sur le tumblr du projet ou sur le site internet de Théophile’s Papers.

shelter-press.org

feliciaatkinson.tumblr.com

feliciaatkinson.bandcamp.com

www.manystuff.org

pierrevanni.tumblr.com

Dans le travail de l’artiste italienne Marzia Corinne Rossi, la peinture est l’élément primordial. Elle est un élément qui revient à sa matérialité première par l’utilisation de pigments purs. Ils sont déposés sur une surface corrosive que l’artiste étoffe, maquille et sculpte pour être à l’œuvre dans l’espace. C’est ainsi une peinture in situ, sans être du wallpainting. C’est encore une peinture qui s’attaque à l’architecture sans une once de violence… Une peinture en trois dimensions qui invite le spectateur derrière la surface comme Alice passe derrière le miroir et y découvre un paysage au caractère insolite et étrange parsemé d’effets pittoresques.

cargocollective.com/marziacorinnerossi

L’italienne Marzia Corinne Rossi allie pigments et papier de verre ; de ces unions naissent de puissantes sculptures totémiques qui surgissent du sol. Ses installations forment des paysages oniriques abstraits, tout droit sortis de contes et suivant une composition étudiée. Son rapport profond aux civilisations anciennes et à leur art, l’amène à traiter avec des matières brutes et brutales. Les jeux d’ombres et textures occupent une place centrale dans sa pratique. Après son exposition à Néon, Flesh out, Marzia Corinne Rossi utilise pour son Very Small Deal, l’une de ses empreintes de papier de verre dans le plâtre, créant ainsi une mise en abyme en révélant avec sa photocopie l’empreinte de l’empreinte. La photocopieuse change visuellement le plâtre en pierre, l’encre qui semble vouloir fuir l’épais papier s’apparente à de la poussière minérale : de sculpture, ce travail est passé à surface de peinture pariétale. Le titre est une réponse à celui de l’exposition et souligne la profonde différence entre ce qu’elle expose, le volume de sa sculpture centrale et l’aplat de ce multiple.

www.cargocollective.com/marziacorinnerossi/Home

Maxime Rizard s’intéresse notamment au lien entre monde des idées et réalité. Pour Néon, il produit un Very Small Deal sur un papier transparent lui permettant de faire ressortir les nuances de la couleur rouge. Grâce à la photographie d’une toile de barnum, il créé trois espaces distincts permettant à la couleur de s’exprimer entièrement. Il ajoute également du relief à une impression qui a tendance à le supprimer grâce à ses choix esthétiques (image et papier) pour que le regardeur oublie que ce Very Small Deal est une photocopie et mieux voir le tissu photographié, la toile tranchée, le voile s’ouvrant mais ne découvrant rien encore.

A/F, première rencontre du projet About book, dévoile les différentes facettes de la plateforme Théophile’s Papers. L’artiste invité Dieudonné Cartier, nous présente notamment son goût pour la collection et l’archive à travers deux de ses projets : la série d’édition Selection of Collection, un inventaire de collections de collectionneurs (les deux derniers de la série venaient d’être édités par Théophile’s Papers et produits par Néon), et la revue Fax, dont chaque numéro est un corpus documentaire, un trésor d’archives éphémère, car imprimé sur un support de fax, sensible à la lumière…

Théophile’s Papers est une plateforme indépendante et itinérante, dédiée aux pratiques éditoriales. Elle pose ses amarres chez Néon pour deux ans avec About book, un projet qui nous propose de découvrir une sélection de livres d’artistes ainsi que l’approche singulière du papier de Théophile Calot. La totalité du travail réalisé lors de cette collaboration est à découvrir sur le tumblr du projet ou sur le site internet de Théophile’s Papers.

dieudocartier.blogspot.fr

Théophile’s Papers est une plateforme indépendante et itinérante, dédiée aux pratiques éditoriales. Elle pose ses amarres chez Néon pour deux ans avec About book, un projet qui nous propose de découvrir une sélection de livres d’artistes ainsi que l’approche singulière de Théophile Calot autour de trois types de rendez-vous. Le premier est un cycle de rencontres avec les acteurs du livre (artistes, auteurs, graphistes, éditeurs, imprimeurs,…), de A à F. Le second prend la forme d’une exposition évolutive d’ouvrages, de 1 à 30, dans l’espace de La Boîte. Enfin, Néon accueille l’espace de librairie, IV, de Théophile’s papers, accessible durant toute la durée de la résidence aux horaires d’ouverture de la Galerie. Le travail réalisé lors de cette collaboration est à découvrir sur le tumblr du projet ou sur le site internet de Théophile’s Papers.

Baptiste Croze, jeune artiste installé et formé en Rhône-Alpes, s’invite sur les façades de Néon pour une première exposition personnelle, avec une œuvre intitulée SEHKMET_ MARIE JESUS_ FEMME (BENIN)_MOINE PLEUREUR_ TOTEM3SINGES_  PYRAMIDE. Dans le cadre d’un travail aux formes éclectiques et constitué de détournement d’objets et de situations, il emprunte à la muséologie, joue l’ethnographe, s’initie à la tribologie et cristallise le résultat d’un geste sculptural. Il nous présente ainsi une sélection d’images photographiques représentant des sculptures ou objets ayant tous subit une érosion mécanique artificielle, sur des fonds de couleurs pastel. Cet accrochage est accompagné d’une pièce à la forte apparence de cartel, venant appuyer le registre de scénographie muséale dans lequel nous invitent les premières images.

baptiste-croze.tumblr.com

A is a name (Jérémy Nuel et Simon Renaud), complète un travail sur le pixel, à côté de l’œuvre sur les rideaux en fer de Néon lors de l’exposition Contre-mesures. Avec 5xx, édité pour l’occasion et mis en scène simultanément dans la Boîte, la couleur bleue de la palissade disparaît en faveur du noir pour laisser apparaître un nouveau message d’erreur codée. Le pixel devient géométrie. 5xx, fait référence aux codes d’erreur internet, lors d’un problème avec le serveur ne permettant pas d’afficher une page web. Ces codes sont composés de trois chiffres et commencent par un 5. Le relief vient s’ajouter sur l’affiche par la superposition de carré dans lequel se trouve une croix pixellisée. Il semble être un virus venant envahir la carte virtuelle que représente le message affiché.

www.simonrenaud.fr

A is a name est le résultat de l’association de deux designers graphiques, Jérémie Nuel et Simon Renaud, dont les recherches plastiques sont axées principalement autour d’agencements et de systèmes de signes typographiques. Ils proposent pour les façades de Néon un étonnant diptyque, dont le point de départ est la déconstruction et la reconstruction créative de l’élément de base de l’image digitale, le pixel, et tentent de revenir à son abstraction. Faisant une place de choix au bug informatique, ils nous laissent ainsi sur un paradoxe graphique et sémiologique : la conception d’objets coincés dans l’impossibilité de délivrer un message et, par extension physique, dans un espace qui parait impossible à pénétrer. Par ailleurs, le titre de l’exposition, Contre-mesure, fait référence au terme militaire désignant l’action destinée à rendre inefficaces les armements ennemis, à l’instar du brouillage de système radar.

www.simonrenaud.fr

Partenaires : Mademoiselle Major (Lyon)

« Le monde traverse une crise spectaculaire, chacun s’accorde à dire que nous courons à la catastrophe. Malgré le fait que l’humanité a su créer plusieurs avancées techniques exceptionnelles, il semblerait qu’elle ne soit pas en mesure de sauver notre pauvre planète ; ce qui revient à dire : à se sauver elle-même. Alors dansons et chantons mes amis, à la gloire d’une commune mesure qui espérons-le, bientôt, viendra réconcilier tous les hommes de la terre vers une même ambition: sauvons-nous ! » Q. M.

chezneonr01.tumblr.com

Partenaires : Biennale d’Art Contemporain de Lyon – Fondation Albert Gleizes – Moly-Sabata

Dans le cadre de sa résidence chez Néon, Juliacks propose un événement intitulé Winnipeg

whistles infinite, une installation participative mêlant film et performance.

Cette installation et performance a également été l’occasion de produire quelques enregistrements sonores et visuels qui ont permis à Juliacks de finaliser le tournage d’Architecture d’un atome. C’est un morceau de l’histoire.

chezneonr03.tumblr.com

Partenaires : Biennale d’Art Contemporain de Lyon

Lee Jaffe est né dans le Bronx en 1950. Sa carrière artistique, qui allie cinéma, musique, performance, photographie et peinture, est marquée très tôt par les trois éléments que sont le militantisme, l’itinérance et la rencontre. L’exposition By Bye Amazonas (around the bend) rend compte de ces influences et surligne quelques idées dada, à l’instar de Picabia : « Rien pour demain, rien pour hier, tout pour aujourd’hui ». L’artiste chatouille le motif sans jamais l’épuiser, tel une sentinelle, et nous emmène dans l’un de ses voyages, à la rencontre d’autres grands sages…

Lee Jaffe

Partenaires : Biennale d’Art Contemporain de Lyon – URDLA (Villeurbanne) – Center Chrome (Italie) – Sambazon (USA & Brésil)

Illustrateur, graphiste, designer et réalisateur de films d’animation, Guillaumit travaille beaucoup en s’amusant. 
Il partage son temps entre son atelier au calme et des concerts multimédia frénétiques, en tournées un peu partout dans le monde avec les formations Gangpol & Mit et Carton Park.

A l’occasion du passage Gangpol & Mit sur l’un des plateaux des Nuits Sonores, et sur une proposition de Julie Tippex, Néon invite Guillaumit pour un geste simple, gratuit et aussi incongru qu’un ravalement de façade !

guillaumit.tumblr.com

Partenaires : Julie Tippex &  Nuits Sonores

Tools of blues : Le terme blues vient de l’abréviation de l’expression anglaise blue devils (« diables bleus »), qui signifie « idées noires ». Les plus anciennes formes de blues proviennent du Sud des États-Unis, à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle. Ces formes étaient le plus souvent orales, accompagnées parfois par un rythme donné par des instruments rudimentaires. C’est principalement dans les champs de coton de la région du delta du Mississippi (entre Senatobia et Clarksdale) que ces formes prennent des tours plus complexes. L’une des formes antérieures au blues est le Fife and Drums joué dans la région Hill Country du Mississippi (il s’agit d’un ensemble de percussions guidé par un fifre en bambou, instrument que jouait le maître en la matière, Othar Turner). Il y eut d’autres formes de blues avec des instruments rudimentaires, le diddley bow, une corde fixée sur une planche, le jug, cruchon en terre dans lequel on soufflait. Puis le blues a évolué avec des instruments simples, tels que la guitare acoustique, le piano et l’harmonica. La légende raconte que l’un des guitaristes bluesmen, Robert Johnson, aurait signé un pacte avec le diable ce qui lui aurait permis de devenir un virtuose du blues (blue devils : c’est une musique liée aux forces maléfiques qui était fuie et rejetée par beaucoup de personnes aux États-Unis).

www.sebastienmaloberti.fr

Anne Bourse est une artiste globetrotteuse, voyageant notamment à Berlin, Hambourg, Istanbul, Lisbonne ou encore Beyrouth. Si elle même est en mouvement elle dit avoir besoin de sentir le mouvement autour d’elle pour travailler. Ses collages, assemblages et dessins qui suivent des couleurs précises, toujours les mêmes, sont imprégnés d’une certaine légèreté. Ce Very Small Deal en diptyque est un contraste, une fracture, une réponse à ses travaux habituels. La photocopieuse a profondément modifié le modèle de base. Le noir et blanc a supplanté les couleurs et lissé les nuances. Les mouvements de peinture et détails se sont effacés, noyés dans l’encre. La douce légèreté des matériaux et l’atmosphère se sont figés et ont pris une dimension massive. Mais plutôt qu’une trahison, c’est presque une réponse à son œuvre que nous avons : la douceur qui réside dans ses créations ne les quitte pas lorsqu’elles se métamorphosent.

« C’est une composition sonore en quatre parties, destinée à être diffusée dans une installation avec quatre haut-parleurs. Les haut-parleurs sont disposés aux quatre coins de la pièce. J’attribue une note à chaque haut-parleur pour chaque partie de la composition. A chaque fois, je chante le mot « La ». Par conséquent, la composition est juste une succession de rythmes et de sons qui se répondent dans l’espace. Il y a quatre partition, une pour chaque partie. Sur les partitions, une couleur correspond à un haut-parleur. »

Samuel Moncharmont

www.samuelmoncharmont.com

Monica Restrepo est une artiste colombienne née en 1982 ayant vécu à divers endroits, dont Lyon où elle a effectué le programme post diplôme de l’ENSBA. Elle aime travailler avec des textes, des histoires, et amasse de nombreux documents. Elle en fait par la suite des performances, sculptures et dessins afin de les retranscrire, de les transmettre et d’étudier leurs significations profondes. Son Very Small Deal paraît être une ébauche de catalogue, liant art et histoires orales recueillies comme indiqué dans la ville de Cali (Colombie). Nous avons relié cet index au carton de l’exposition Contrat à Durée Déterminé de l’ancien espace lyonnais 360m3 reproduisant une installation de Monica Restrepo. Cette œuvre représente un fauteuil entouré de fausses perruques de première dame. Le lien fait entre les deux reproductions donne au travail de l’artiste une dimension féministe, apportant une certaine vision de la femme, alliant notamment ces coiffes sévères et conventionnelles de premières dames à des termes plus populaires comme « pornographie » et « talons ».

Portrait croisé de deux générations d’artistes émergents de la scène française, cette exposition propose deux vidéos portant un regard sur les affinités et les accointances nées pendant un cursus scolaire et mises en pratique dans un projet collectif d’exposition. Enrichi par la présence effacée mais complice des documentaristes, les artistes se laissent filmer, conscients de leur image. Avec une désinvolture calculée, ils échangent leurs points de vue sur leur engagement artistique, les choix de pratique, de communication et de carrière qui se présentent à eux.

Dans Les Enfants Gâtés de l’Art Contemporain (1991) et commune (2011), Georges Rey et Quentin Maussang entreprennent de suivre deux trios de jeunes artistes, issus des Beaux Arts de Grenoble et de Lyon, pendant leur exposition collégiale d’été à la galerie Air de Paris à Nice et chez Néon à Lyon.

Partenaires : Inextenso (Clermont-Ferrand)

(1991-2011), revient à travers quelques anecdotes sur vingt ans d’histoire. Relevant aussi bien le changement de nom du chanteur Prince que la création de Facebook ou encore l’une des performances en 2009 de Gianni Motti, Simon Feydieu, l’auteur de ce document, paraît vouloir faire un point sur les années qui séparent les films de Georges Rey (1991) et de Quentin Maussang (2011), un historique de choses qui lui paraissent importantes au regard de ces deux œuvres. S’ensuit un corpus d’images et un essai « Documentaire : l’auteur, le média et le sujet ». Il présente les deux vidéastes oscillants entre vidéo amateurs et vidéo d’art et pose la question de la place de l’artiste, et sur comment on le devient. Est-ce la technique, le savoir, le milieu d’exposition ou encore la démarche qui fait art ?

Cette publication fait écho à l’exposition hors les murs (1991-2011), qui a eu lieu à Inextenso, Clermont Ferrand, sous le commissariat de l’artiste Simon Feydieu.

En 2012, Néon initie une invitation sous forme de résidence permanente à Benjamin Collet et Pierre Gaignard, jeunes artistes lyonnais. Néon leur propose une mise à disposition de la vitrine de son local technique (adjacent au local d’exposition habituel) ainsi qu’un soutien logistique et un accompagnement dans la communication et la diffusion de leur projet. Les artistes ont été sélectionnés par l’équipe de Néon pour un projet de caisson mobile intégré dans la vitrine et intitulé “Etudes pour un Multiplex Décomplexé”.

Ce “Multiplex” accueille une programmation expérimentale et hétéroclite de travaux qui constituent le répertoire intellectuel et formel de Benjamin Collet et Pierre Gaignard. Cette «programmation» composée d’invitations pour la plupart non adressées construit des œuvres aux allures de remix des plus beaux tubes de l’art, entre hommages et irrévérences, au croisement de la singularité et du « name-dropping ».

Le travail réalisé lors de cette collaboration est à découvrir sur le tumblr ou la page facebook du projet.

L’exposition Chute Libre propose de décoder avec sensibilité et dérision nos fonctionnements contemporains. Essayer ensemble de remettre en question nos habitudes et envisager les choses sous un autre angle, avec un autre œil. Les travaux d’Aurélien Arbet & Jérémies Egry (AA-JE) sont issus d’une pratique transdisciplinaire privilégiant la photographie, la sculpture ou bien encore le livre. Leurs œuvres apparaissent comme le résultat de modifications orchestrées et dirigées : les sujets n’étant pas ou peu physiquement modifiés, ce qui change est la manière dont ils nous suggèrent de les regarder. A cette occasion, ils touchent plus directement et plus profondément le regardeur. Ainsi, l’exposition exprime un double sentiment, entre danger et liberté, une double inspiration entre risque et facilité, un double état entre artificiel et surréaliste. Chute Libre suggère avec ironie ce parfait inconfort dans lequel nous évoluons, ici à l’épicentre de notre réalité.

Partenaires : Quarks Festival (Lyon)

Luca Monterastelli, jeune artiste de la scène italienne, aime à fouiller une certaine archéologie du baroque. Il en puise et glane quelques vestiges qu’il manipule, assemble à d’autres trouvailles plus triviales et pauvres, comme pour en appuyer son effondrement et néanmoins rappeler son immortelle essence dramatique, exubérante et capiteuse… Il travaille ses sculptures avec des matériaux bruts autant que façonnés, où velléités Rococo se mêlent sans complexe à une certaine sobriété contemporaine ; et fait ainsi émerger une posture et un jeu de formes singuliers.

Pour Néon, Luca Monterastelli conçoit Graceland, une exposition à l’image d’un palais des plaisirs ou un Caprice, donnant au spectateur l’occasion de découvrir son univers au détour d’une série de chambres étonnantes.

www.lucamonterastelli.com

L’artiste italien Luca Monterastelli est un sculpteur passionné d’archéologie : il étudie les styles d’architecture, se les approprie, les combine et les représente de façon contemporaine. Il creuse (et fabrique) des trous, joue sur les formes et sur les aspects des matériaux comme la pierre ou le plâtre. Pour son exposition Graceland chez Néon, l’artiste a élaboré une publication éponyme avec des textes de Beniamino Foshini. A l’occasion des tests d’impression de cette dernière, un bourrage papier a eu lieu, Luca Monterastelli décida de garder la trace de cet incident, pour en faire son Very Small Deal, Rocaille. Cette anecdote reste dans la continuité de son travail se penchant notamment sur les notions d’accident et de rupture.

www.lucamonterastelli.com

Le tandem formé par l’anthropologie et les arts décoratifs donne lieu à d’impressionnantes constructions monumentales et complexes, de véritables bâtiments dans lesquelles on peut entrer. Investissant les lieux de leur architecture loufoque, Sophie Dejode et Bertrand Lacombe nous offrent une aventure, celle de l’exploration. Parfois sculptures, parfois architectures, mais toujours cette puissance de présence de leurs œuvres, et cette idée de convivialité : parfois espace rempli de coussins, parfois bar à sushis comme à Néon en 2002 … Le trou est un dessin qui préfigure La chatte, bâtiment en bois installé et relié à côté d’un bateau, Holey Glory, exposés contre la façade de la villa Bernasconi, en 2012. Avec son poignard en plein cœur (qui deviendra une flèche lorsqu’il sera construit), sa bouche et son corps tordus, l’animal est à la fois effrayant et risible. Ses yeux nous fixent, l’air de dire « Et alors ? ».

www.dejodelacombe.com/

www.dda-ra.org/fr/oeuvres/DEJODE-LACOMBE

Welcome to Flowing Land de Benjamin Collet & Pierre Gaignard dévoile un vaisseau spatial rétro-futuriste, cinéma personnel mêlant haute et basse technologie, à l’abordage d’un petit centre d’art indépendant, sorte de clin d’œil ironique au repère-terrier du projet Welcome to Floating Land de Sophie Dejode & Bertrand Lacombe, chez Néon en 2002.

Partenaires : Nuits Sonores (Lyon)

En 2010, Olivier Morvan met en place l’exposition Points Noirs chez Néon, où il présente une partie de son Projet Escapologique donnant au lieu un aspect de scène de crime, d’un point de départ d’une enquête policière. Le Very Small Deal de l’artiste se joue de la forme ronde et des contrastes de noir et blanc de manière à ne pas obtenir un résultat lisse mais davantage une image accidentée. Il reprend l’une de ces anciennes œuvres X/Y/Z pour en faire un « remix ». Il récupère 5 trames de ce dessin qu’il positionne aléatoirement sur le scanner de l’imprimante pour les photocopier un par un sur une même feuille, laissant parfois un espace libre pour donner une zone d’aplat d’encre noire. Olivier Morvan installe un processus de création long, fastidieux qui lui donnerait presque une dimension absurde pour recopier le système sérigraphique en remplaçant les passages de couleur par une superposition de trames.

www.escapologique.net/

« On peut imaginer un chaos plein de potentiels : comment mettre en rapport les potentiels ? Je ne sais plus dans quelle discipline vaguement scientifique, on a un terme qui m’avait tellement plu, que j’en ai tiré partie dans un livre, où ils expliquaient qu’entre deux potentiels se passait un phénomène qu’ils définissaient par l’idée d’un sombre précurseur. « Le précurseur sombre », c’est ce qui mettait en rapport des potentiels différents. Et une fois qu’il y avait le trajet du sombre précurseur, les deux potentiels étaient comme en état de réaction. Et, entre les deux, fulgurait l’événement visible : l’éclair. Il y avait le précurseur sombre et puis l’éclair. C’est comme ça que le monde naît. Il y a toujours un précurseur sombre que personne ne voit et puis l’éclair qui illumine. C’est ça le monde. Ça devrait être ça la pensée. Ça doit être ça la philosophie. C’est ça aussi la sagesse du Zen. Le sage, c’est le précurseur sombre et puis le coup de bâton – puisque le maître Zen passe son temps à distribuer des coups de bâton – c’est l’éclair qui fait voir les choses. »

Gilles Deleuze, « Z comme Zigzag », dans L’Abécédaire de Gilles Deleuze avec Claire Parnet, 1988-1989.

A is a name était un studio parisien, une collaboration entre Jérémie Nuel et Simon Renaud dans le monde du design graphique et de la typographie. De leur association tournée vers la science, les mathématiques et l’écriture, nait un univers de sémiologie qui crée des symboles autant qu’il les recherche et les étudie. La notion d’évolution et par conséquent du passage du temps semble être une de leur préoccupations les plus importantes. Pour ce Very Small Deal, les deux designers ont souhaité qu’il résulte d’une série d’étapes altérant à chaque fois un peu plus le travail graphique qui a servi de base. Des rectangles, contenant le mot «ARCHIVER», placés à la manière d’une suite de Fibonacci, disparaissent peu à peu par un jeu de pliage et d’agrandissement successifs. A force, les lettres perdent en netteté et une partie de l’information disparaît, à l’image de la mémoire humaine. Ce Very Small Deal est ainsi diffusé par 5, montrant les étapes du procédé.

www.simonrenaud.fr

« Chers amis du Néon, bonjour.

Cette semaine, Chez Néon ne sera pas chif­fon, même rouge, et donnera du papier en opinant du chef. Cette semaine, Chez Néon périodisisera, magazinera, machinera du mot et fera feu de tout bois. Cette semaine, vous en saurez plus, indéniablement. Poéti­quement s’entend.

C’est une exposition qui est un magazine, et tu peux partir avec. C’est un magazine, dont du concret déborde, à hauteur de l’imagina­tion du respecté lecteur (c’est de toi dont on parle). C’est aussi une performance, deux mots, un pop-up, une bibliothèque suspen­due, trois caissons fictions, un public, des inventivités, un lévrier barzoï, du commissa­riat réactif-créatif, ainsi qu’Auguste-Laurent Burdeau, du contreplaqué de main de maître utilisé, et un livre géant in the making.

Si vous n’aimez pas la mer, si vous n’aimez pas la montagne…»

DG & MC

www.gilliotcunci.com

« Ne vous imaginez pas, camarades, que le leadership est un plaisir. Au contraire, c’est une responsabilité profonde et lourde. Personne ne croit plus fermement que Napoléon camarade que tous les animaux sont égaux. Il ne serait que trop heureux de vous laisser prendre vos décisions pour vous-mêmes. Mais parfois, vous pourriez prendre de mauvaises décisions, camarades, et alors où devrions-nous être?

Extrait de La ferme des animaux, George Orwell, 1945.

Ah, ah, ah, animal est une exposition d’un soir et performance. Il s’agit du troisième extrait de la résidence du jeune vidéaste lyonnais Quentin Maussang chez Néon, initiée en 2011.

chezneonr01.tumblr.com

Phénomènes est une exposition collective conçue par In Extenso, une galerie associative fondée en 2003 et basée à Clermont-Ferrand. Les artistes invités et les pièces présentées y abordent les notions de glissement, d’interférence, de projections mentales, de télékinésie, de magie et entrainent le spectateur dans un environnement mouvant, le plaçant au centre d’une étrange fiction du simulacre. L’exposition chez Néon propose ainsi un « art surnaturaliste », émettant l’hypothèse du réel comme une illusion inopérante, où les phénomènes s’imbriquent à des lieux, des textes, des situations ainsi qu’à des procédés propres à la culture personnelle de leurs auteurs.

www.inextensoasso.com

Partenaires : Biennale d’Art Contemporain de Lyon  – Institut Suédois (Paris)

« A l’origine de cette exposition il y a l’idée que les peintures émettent un signal. Un signal visuel, bien sûr, mais aussi un signal sonore, ou plus exactement silencieux. On peut toujours qualifier une peinture de « bavarde » ou « bruyante », mais cela reste du domaine de la métaphore. Dans la réalité, aucune peinture n’émet de son particulier, ou ne se met à parler avec les mains, comme dans le célèbre dessin d’Ad Reinhardt. Dans un certain sens, la peinture commence par le mutisme (surtout quand elle est abstraite).

Au silence matériel de la peinture (et de l’exposition) peut malgré tout répondre une forme de sociabilité visuelle. La plupart des œuvres proposées dans MUTE font référence, directement ou indirectement, au monde de la musique : enceintes stéréo, pochettes de disques, titres d’albums ou de chansons. Bien sûr il s’agit toujours de signaler le silence technique du tableau, mais aussi de redévelopper son sens du contact. En clair d’assouplir son rapport au monde, tout en filant la métaphore originelle d’une équivalence entre musique et abstraction, œuvre silencieuse et peinture monochrome. »

HP & HSB

Partenaires : Biennale d’Art Contemporain (Lyon)

Cécile Meynier, née en 1978, peut-être qualifiée comme une sculptrice autant qu’une peintre. Après avoir étudié à l’école des Beaux arts de Besançon, elle commence à travailler sur l’idée de l’accident, de l’inattendu et du caché, notamment à travers sa série de Dérapages. Son œuvre a peu à peu évolué vers une autonomie des objets ; ils ne sont pas ancrés dans un lieu précis mais s’insèrent seulement selon les moments dans des installations. En 2011, elle ne travaillait pas encore en atelier et se concentrait alors sur des projets en résonnance avec des espaces. C’est ainsi que l’exercice du Very Small Deal s’est naturellement tourné vers l’in situ. Ainsi l’artiste réalisa une « œuvre pour bureau », qui n’eut de véritable existence que lorsqu’elle fut placée sur la photocopieuse. Il en reste la dimension pesante des matériaux (ciment, plâtre, miroir) dans ce Very Small Deal par cette ligne oblique qui s’enfonce vers le bas, ce noir appuyé sur un blanc dont la surface est là, impénétrable, posée en bloc.

www.cecilemeynier.com

Intéressé par une conception de la peinture à la fois vitaliste et préoccupé de questions politiques ou historiques, le travail de Simon Bergala cherche à confronter les réalités urbaines actuelles à l’idéal de la cité, de l’espace public, au travers de tableaux à la picturalité affirmée.

Tantôt cartographique, tantôt figurative, cette peinture intègre des éléments qui insistent sur la spécificité de l’espace pictural : motifs redoublant les limites du châssis, perspective empirique, tuyaux circulant sur les bords et les angles du tableau. Ces villes colorées sont empruntes d’une poésie teintée d’humour où la bande dessinée, le graffiti rencontrent des représentations lointaines, comme l’évoque la série intitulée Caduveo et Bororo, du nom de tribus d’Amazonie rendues célèbres par les études de Claude Lévi-Strauss.

www.simonbergala.com

www.chateauroux-metropole.fr/les-beaux-arts/residence-d-artistes-556.html

« Une commune, c’est ce qui se passe quand des êtres se trouvent, s’entendent et décident de cheminer ensemble. Une commune, c’est peut-être ce qui se décide au moment où il serait d’usage de se séparer. C’est la joie de la rencontre qui survit à son étouffement de rigueur. C’est ce qui fait qu’on se dit «nous», et que c’est un évènement. Elle ne se définit pas – comme le font généralement les collectifs – par un dedans et un dehors, mais par la densité des liens en son sein. Non par les personnes qui la composent, mais par l’esprit qui les anime. »

Commune, c’est un disque sorti sur le label Zerojardins. C’est aussi quelques musiciens et artistes. C’est, chez Néon, une exposition pour observer quelques pensées et pour écouter des chants. Sans programme.

www.youtube.com/channel/UCA7v_4xWdgQAIr5A6G2hfQQ

Partenaires : Nuits Sonores (Lyon) – FIXART (Lyon)

« Vous êtes cordialement invités au pot d’honneur du mariage de Lux et Kurk vendredi 6 mai 2011 à partir de 19h (> 21h) en tenue de soirée, s’il vous plait ! et au café du lendemain à 11h accompagné de la projection de ‘Honey Moon’ en tenue de soirée froissée et gueule de bois, s’il vous plait ! »

Evil Love est une fiction : un groupe de musique et une histoire d’amour. Lux est chanteuse. Elle est douce et souriante de nature. Et aussi pétillante… On l’imaginera assise au bar, sur une chaise haute, dans une robe rose saumon à strass, des talons hauts blancs, un verre de whisky à la main. Kurk est guitariste. Il parle peu, mais bien. Il est plutôt solitaire… On l’imaginera assis dans un fauteuil, écoutant de la musique, les mains dans les poches, balançant la tête d’avant en arrière au rythme des basses. Evilove est le nom de leur groupe de musique. Leur premier album, ‘Fuck You I Love You’ révèle des contradictions, des leurres, des apparences trompeuses…

www.samuelmoncharmont.com

fanettemuxart.blogspot.fr

Avec humour et sincérité, Dodeskaden, représenté par Marco XXX et Madame Lapin, propose chez Néon une collection impressionnante et relativement dérisoire de quelques 3000 films VHS, comprenant des séries A, B et Z (selon un critère subjectif de classification mais composée aussi bien de succès commerciaux éphémères que de bijoux rares de la médiocrité). Ce décalage ironique de la programmation, invite le spectateur à s’imprégner d’un matériau déjà historique, de par l’obsolescence du support. Outre une invitation à méditer sur une écono­mie de travail réduite et inventive, cette collection met aussi en évidence un bestiaire contemporain, une imagerie pop inépuisable qui influença notam­ment le lexique d’artistes majeures de la côte ouest des États Unis comme Jim Shaw, Paul McCarty, ou Mike Kelley, géographiquement et culturelle­ment imprégnés des productions foisonnantes et inégales de l’industrie Hollywoodienne et télévisuelle.

dodesk.aden.free.fr

www.lecridelencre.com

www.petitpaume.com/etablissement/le-livre-en-pente.htm

Partenaires : FIXART (Lyon)

« Plutôt que de faire un film « sur » Néon, il s’agit de faire un film « avec » Néon ; rendre quelque chose de LA VIE d’une galerie associative et des différentes personnes qui y travaillent. Il sera beaucoup question de work in progress, donc de TEMPS. MONTER une exposition, c’est quelque part déjà une question de cinéma. » Quentin Maussang.

En 2011, Néon initie une invitation sous forme de résidence permanente à Quentin Maussang, jeune artiste vidéaste lyonnais. Néon lui propose un soutien matériel ainsi qu’un accompagnement dans ses démarches de prospection et de diffusion de son travail.

L’artiste a été sélectionné par l’équipe de Néon pour un projet de documentaire-fiction traitant du fonctionnement des structures associatives dans le milieu de l’art contemporain, participants actifs et souvent méconnus de ce que l’on nomme « l’exception culturelle française ».

Le travail réalisé lors de cette collaboration est à découvrir sur le tumblr du projet.

Dans ses films et ses vidéos – durant parfois jusqu’à plusieurs heures – Olivia Boudreau invite le spectateur à faire l’expérience du temps afin de prendre conscience du mouvement et de la complexité d’une action. La mise en scène minimale et la prise de vue unique sans montage privilégient cette expérience. L’artiste met le spectateur en présence de situations empruntées au quotidien, scènes ordinaires qui produisent leurs propres dysfonctionnements. Ne cherchant pas à mettre le spectateur à l’aise, Olivia Boudreau va remettre en question notre rapport à l’image en mouvement et va ainsi réussir, par un plan rapproché et fixe, à nous faire entrer dans un univers vulnérable rempli de sensualité.

www.oliviaboudreau.com

Partenaires : Art3 (Valence) – Centre d’art Optica (Montréal – Canada) – Fondation Albert Gleizes (Paris) – Moly-Sabata (Les Sablons)

« Fast and low conceptualism is an art movement where ideas are more important than the object. Ideas must prevail over its formal aspects and in many cases the idea is the art piece, even though this one can be silly or has nothing to do with the represented object. Most of the works of this movement have disappeared or have been or will be destroyed, both because of their economical issues, as because of their storage and transportation. Fast and Low conceptualism is inspired by everything and nothing. It explains things but sometimes it doesn’t know what to say. It likes cheapness, stupidity, low-cost life, « google » pictures, « banlieue » thoughts, shanzai and fast thinking. It is anti-intellectual, but it gets benefits from intellectualism. It wants to become an art reference but it gets bored with art. It likes very much beer and the mental state of a hangover. It loves money but it doesn’t know how to get it. And definitely, it hates the mechanisms of the art world. » Aggtelek

« Maintenant je puis dire que l’art est une sottise » Rimbaud

www.aggtelek.net

« Le projet Escapologique élaboré par Olivier Morvan est une entreprise labyrinthique dont les ramifications sans cesse renouvelées s’entremêlent. Un projet dont le sens, comme son nom l’indique, nous échappe. Pouvant être considéré à la fois comme une parodie de série policière, une pièce dont vous êtes le héros, une société secrète, une fabulation, un rêve ou encore un cauchemar, ce projet revêt plusieurs identités sans qu’aucune ne parviennent à le définir pleinement. Construit à partir d’un vide, d’une absence, en périphérie de celui-ci, Le projet Escapologique se joue des attentes du spectateur, tout en questionnant notre éternelle quête de sens. »

Annie Hudon Laroche, 2009

escapologique.net

Scène I

Nature Morte

« Voila

Un hiver mort

Un été irradiant

Et tous les nuages qui pesaient sur nos maisons

Dissous au fond des océans

Voila

Nos têtes victorieuses

Nos armes triomphales

Nos cris de guerre devenus des cris de joie

Nos marches des rencontres

Le masque de guerre n’impressionne plus l’ennemi

Et chevauche les femmes dans leurs chambres

Au son lascif du luth

Mais moi

Qui ne suis pas fais pour ces prouesses sportives

Ni pour m’exciter devant la glace

Moi

Fini à la merde

Hors du royaume de l’Amour

Où dansent d’excessives salopes

Moi

Dégrossi dans la boue

Par la Nature déflagrante

Déformé

Pas fini

Chié avant l’heure

Dans le souffle du monde

À moitié fait

Et si lamentablement et désespérément pas fashion

Que les chiens aboient quand je boite

Pourquoi

Moi

En ces temps débiles de paix et de flutes

Je n’ai rien d’autre à foutre que de regarder mon ombre au soleil et me dire qu’on a rarement vu un

déchet pareil »

Extrait de la performance Richard III de Raphaël Defour et Nicolas Fenouillat

nicolasfenouillat.com

Broadcast Posters est une édition périodique de posters d’art contemporain. Chaque numéro invite deux artistes à investir une face d’un poster. Chaque poster, tiré à 8 000 exemplaires est disponible gratuitement dans une centaine de lieux en France et en Europe.

Néon accueille Brodcast Posters dans sa galerie le temps d’une soirée, et propose au visiteur de repartir avec le sixième numéros de l’édition, composé des œuvres de Matt Coco et Scott Barry, mais aussi de découvrir ou redécouvrir les cinq premiers posters et autres éditions spéciales.

www.broadcast-posters.com

« Un mur doit tenir debout. Pour mériter le nom de mur, un assemblage de briques tenues par du mortier doit être cohérent. C’est ce qui le différencie des matières premières ou de la ruine. Le mur construit par Simon Feydieu en travers de la galerie Néon, et qui réduit l’espace d’exposition à un triangle rectangle, est bien constitué de briques, mais ce sont des fruits écrasés qui font office de ciment (du raisin et des figues). Le choix du cocktail de fruits pour remplacer le mortier peut paraître exotique, mais c’est pourtant bien ce mélange et ses caractéristiques (glissant, puis collant) qui tiennent le mur, qui font sa cohérence. À la logique de construction issue du bâtiment se substitue une logique de manipulation des matériaux, dans les deux sens du terme. Car en associant la maçonnerie improbable de son ouvrage au lustre démantibulé de Daniel Firman, Simon Feydieu fait aussi cohabiter ironiquement la figure de l’artiste ouvrier avec celle de l’artiste mondain. »

Hugo Pernet, pour la revue d’art contemporain 04.

simon-feydieu.com

danielfirman.com

« C’est très simple. Asseyez-vous, regardez, écoutez. Une œuvre d’Eléonore Saintagnan, c’est d’abord une présence, la capacité rare de percevoir, et de partager, la beauté d’êtres humains, de lieux, d’objets qui sans son intercession passeraient inaperçus, ou seraient considérés avec condescendance. Il n’y a pas d’explication à cette délicatesse qui semble trouver dans les machines d’enregistrement, caméra, microphone, des sensibilités inconnues – et qui font grand place au sourire, à l’occasion au parti d’en rire de bon cœur. Même, surtout, s’y loge une inquiétude profonde, un mystère qui n’a rien de joyeux – ou qui n’a d’autre joie que d’être entièrement du côté de la vie. 
Pas de La Vie, juste la vie, la vôtre, la mienne, celle de gens que nous aussi croisons dans la rue, dans le métro, dans les cafés, à la sortie de l’école où on va chercher les gosses. Et que nous ne regardons pas. Eléonore Saintagnan, si. Elle voit et elle entend. Et partage. »

Jean-Michel Frodon

www.eleonoresaintagnan.com

Limoncello est une jeune galerie londonienne attentive à la scène émergente anglaise. Ses artistes ont en commun un travail d’apparence aus­tère, teinté d’une saveur légèrement acide et pouvant se révéler coloré et très su­cré…

Au delà de son caractère commercial, Limoncello orga­nise régulièrement des projets curatoriaux expérimentaux et sans but lucratif appelés « Punctuation programme ». C’est le cas de son exposition chez Néon, qui propose au visiteur de découvrir les pièces de deux artistes britanniques : Josephine Flynn et Jack Strange.

www.limoncellogallery.co.uk

Les peintures de David Morel, excessivement figuratives, sont empruntes de réalisme et nous entraînent néanmoins dans une perte totale du sens réel, où se mêlent irrationnel, imaginaire, désordre, mélancolie et exaltation à quelques images d’Epinal fort séduisantes (ou rebutantes, selon…). Un univers terriblement romantique, gore et décadent, concentré ; en forme de flacons de fragrances populaires !

Pour cette exposition, Néon propose de (re)visiter le travail de David Morel sur un principe simple d’assemblage de deux œuvres comme deux dominos, avec une sélection de pièces de 2006 à 2010, parmi quatre des dernières séries de peintures de l’artiste : « Chez mémé », « Boum! », « Cosmic earth » et « A table ».

www.davidmorel.fr

Dominique Gilliot développe un travail performa­tif dans lequel elle se met en scène, usant des codes du maître conférencier universitaire teinté tantôt de la loghorrée du camelot, tantôt d’atti­tudes de rock star ; un cocktail souvent détonnant capable de nous arracher aussi bien un sentiment de pathétique malaise que d’exaltation érudite !

Grégoire Motte, quant à lui, s’inscrit dans une dé­marche de production d’objets et de gestes en général pérennes, parfois furtifs et le plus sou­vent (a priori) autonomes. Il s’agit de pièces «à la minute» comme on le dit de plats qui se préparent au dernier moment pour les convives, et dont on a à la fois une idée très précise et assez vague, de ceux que l’on a vu faire et que l’on fait si ré­gulièrement qu’ils autorisent l’improvisation et la variation. Grégoire Motte construit ainsi une sorte d’encyclopédie infinie, empreinte de mythologie personnelle et collective, et mise en beauté par un talent certain pour le système D ; pour le plaisir de la dérive.

Tous deux avancent sur la scène artistique en savants d’un précieux surgissement (rocheux) en terrain plat ou d’une surprenante extase en plein ennui, tels des chercheurs d’or sur terrain bitumé armés de drames shakespeariens, de motifs de pull Jacquard, de chansons populaires et de bon­bons à la rose.

[Après deux jours d’ouverture, l’exposition a été malheureusement affectée par un dégât des eaux et finalement annulée. Néon pour cause de travaux, n’a été réouvert au public qu’en septembre 2010.]

dominiquegilliot.com
gregoiremotte.com

Markus Müller, artiste Suisse né en 1970, fabrique des sculptures d’une grande puissance à partir de divers matériaux de construction – contre-plaqué, carton gris, polystyrène -puis leur donne une texture illusoire qui semble défier les principes scientifiques. L’improbabilité physique de ces structures installe ainsi une tension étrange, à la fois comique et douloureuse…

Pour son exposition chez Néon l’artiste propose deux nouvelles sculptures. Pensées pour l’espace de la galerie, elles sont néanmoins autonomes, comme l’ensemble des pièces de sa production. Ici, elles se prêtent au jeu d’une possible séquence appartenant à un scénario beaucoup plus vaste qui traiterait, semble-t-il, de «cosmologie rationnelle»…

Markus Müller

Partenaires :

Biennale d’art contemporain de Lyon 2009, FIXART, ProHelvetia, Ville de Bâle, Canton de Bâle

Jean-Alain Corre, diplômé de l’ENSBA de Lyon, est né en 1981 dans le Finistère. Il vit et travaille à Lyon, ainsi qu’à Paris. De son œuvre tout de sculpture et d’écriture est née l’entité Johnny. Sa première exposition personnelle, A Johnny Machine, a eu lieu en 2009 à Néon. On pouvait y voir une installation sur deux étages. Sous son Génératorscape, au milieu d’une dune blanche (tas de lessive au sol), se trouvait l’œuvre Driller-Killer : une paire de chaussures usée, accompagnée de gingembre (élément qui revient plusieurs fois dans son travail) dans lequel des vis étaient plantées. Ce Very Small Deal est une photocopie d’une photographie de cette œuvre. Chacune est différente car elle a été marquée d’empreintes de pas ou de main avec de l’encre rouge qui n’est pas sans rappeler du sang, ce qui participe à l’impression de scène de crime qui se dégage et appuie d’autant plus la référence que l’artiste fait au film éponyme d’Abel Ferrara, qui lui même met en scène un jeune artiste.

www.galeriethomasbernard.com

www.youtube.com/watch?v=_oBr_GNHmpY

«Dans les supermarchés, le rayon le plus beau est celui des produits d’entretien. Johnny peut passer des heures à contempler toutes ces petites constellations mises les unes à coté des autres.» Jean-Alain Corre

Jean-Alain Corre développe, depuis 2005, un «feuilleton-exposition» intitulé «Johnny». Johnny -sorte de double fictionnel de l’artiste- est un homme lambda, un ouvrier à l’usine, un par millier au centre commercial un samedi ; un figurant de la vie ordinaire qui s’autorise parfois à emprunter des attitudes ou lubies d’un personnage de roman ou de film. Nous, spectateurs, ne le croisons jamais vraiment, en revanche chacune des pièces et des expositions de l’artiste nous entraînent dans les errances mentales de ce personnage. Jean-Alain Corre aime préciser que le nouvel épisode chez Néon, A Johnny machine, se réclame du productivisme russe ! L’artiste en effet, s’attache à la beauté quasi insoupçonnée de l’efficacité et de l’utile pour construire Generatorscape, une sculpture-outil, pour assembler Driller-Killer ou Psychobuilding – pendants quasi naturels et théoriques, et pour réaliser (avec Pierre Bonnouvrier) Scie, une pin-up impudique au mur. (…)

Jean-Alain Corre

Partenaire :

Biennale d’Art Contemporain de Lyon 2009

Un peu de philosophie, un soup­çon de politique, de la mélancolie et de la métaphysique. Voilà les ingrédients préférentiels de la jeune artiste Fanny Torres. A ceux-ci, peuvent s’ajouter : du spectacle, de la poésie et de la kitcherie! Un mélange explosif qui lui permet d’aborder (développer, questionner et tordre) la notion de «l’être ensemble», voire celle de «l’amour» ; devenues objets de l’œuvre autour des­quels gravitent divers sujets.

Chez Néon, pour sa première exposition individuelle, nous découvrons «Une projection Karaoké interro­geant la transmission post-mortem de ce que nous sommes et le «comment se transmettre». Portée par un couple soliste (deux ‘je’) et un chœur (le ‘on’), cette vidéo Karaoké rejoue en dialogue et en chansons le duel de l’être seul face, avec et contre l’être collectif.

Fanny Torres

Anna Gaume peint des instantanés à partir de clichés de lieux publics, souvent urbains. Ces espaces que l’on ne voit plus à force de les traverser, de les habiter ; des décors sans qualité particulière, des scènes banales et des gens ordinaires, figurants du grand spectacle de la vie.

Ce sont ces figures anonymes regroupées hors de l’espace privé de leur domicile qui attirent l’attention de l’artiste. Elle les saisit à leur insu sur la plage, dans un parc, dans la rue, dans des supermarchés, dans le métro, sur une piste de ski, lors d’un vernissage…Elle les fait poser en groupe sur leur lieu de travail ou de vacances.

Anna Gaume

Texte à plier en quatre pour ranger dans la poche arrière gauche d’un pantalon jean tâché au niveau du genou gauche (avec une nette préférence pour la peinture acrylique). Le pantalon peut être plié lui aussi ou suspendu sur un cintre, un dimanche matin.

Puis le devenir machine à laver…

Hypothèse 1 – Si l’aspiration de devenir artiste s’était avérée moins confuse au point de m’y enliser, j’aurais adoré intervenir comme photographe d’exposition, critique d’art, graphiste, chroniqueur, biographe, galeriste, restaurateur, historien, régisseur de collection ou de montage,… toutes ces activités jouant un rôle d’importance variable (à laquelle je refuse de proposer toute hiérarchie quant à la valeur) dans la communication, la diffusion, la transmission et la valorisation d’un projet artistique. Je ou Il

Hypothèse 2 – Reste(nt) donc la mise en œuvre. Le caprice et l’exigence

(…)

Simon Feydieu

esquissé un dimanche matin et repassé un matin 2008.